eventi

Al Museo d’arte di Mendrisio è in corso un’importante esposizione dedicata all’opera di A.R. Penck, (1939-2017), tra i più importanti artisti tedeschi della seconda metà del Novecento. Curata da Simone Soldini, Ulf Jensen, Barbara Paltenghi Malacrida, la retrospettiva di Mendrisio, aperta fino al 13 febbraio 2022, comprende oltre 40 dipinti di grande formato, 20 sculture in bronzo, cartone e feltro, una settantina tra opere su carta e libri d’artista, e intende ripercorrere le principali tappe di uno degli esponenti più significativi dell’arte internazionale degli anni Settanta e Ottanta. 

Nato a Dresda, per decenni è attivo nella Germania dell’Est con opere di chiara ispirazione socialista, riuscendo a far tesoro di

condizioni allora apertamente ostili all’arte d’avanguardia: mentre il socialismo nega all’artista moderno qualsivoglia funzione, A.R.

Penck (pseudonimo di Ralf Winkler) sa trasformare col tempo la funzione della propria pittura in un elemento in dialogo col sistema

sociale e politico. Fino alla fine degli anni Settanta, tuttavia, espone raramente nell’allora DDR. È soltanto dall’inizio degli anni Settanta

che A.R. Penck riesce a partecipare a mostre; non in patria, ma in Svizzera, Paesi Bassi e Canada, riscuotendo ampi consensi. Nel

1972 espone a documenta 5 di Kassel chiamato da Szeemann; all’inizio degli anni Ottanta è tra i protagonisti delle rassegne,

fondamentali per la pittura moderna, A New Spirit in painting (Londra) e Zeitgeist (Berlino). Paradosso della Germania divisa è proprio

il fatto che la sua opera, così fortemente legata all’analisi della situazione socio-politica, sia riconosciuta e apprezzata solo all’Ovest, e

mai nella sua terra d’origine. 

Nel 1980, quando, dopo l’ennesimo contrasto con le autorità, emigra all’Ovest, A.R. Penck è ormai considerato uno dei protagonisti

della scena pittorica mondiale e ha già suscitato grande interesse nell’allora capitale dell’arte, New York. Jean-Michel Basquiat e Keith

Haring lo ammirano per la sua vigorosa pittura monumentale, capace di delineare la complessità del mondo con la spontaneità e

l’immediatezza di un graffitista. 

Le fondamenta della sua pittura monumentale risalgono alla fine degli anni Sessanta, con la nascita del progetto Standart (tuttora

inesplorato nella sua complessità). Come una sorta di monumentale avatar, Standart simboleggia l’autocoscienza dell’artista, quella

con cui A.R. Penck porta avanti il suo progetto solitario, in linea con le idee del Bauhaus: la trasformazione della società moderna

secondo criteri estetici. È proprio la figura Standart, con cui si identifica tutto l’universo figurativo di A.R. Penck, a costituire il punto di

partenza della mostra organizzata dal Museo d’arte Mendrisio, dove si può ammirare una cospicua serie di suoi capolavori. 

Nel corso degli anni Settanta A.R. Penck attinge all’eredità dell’avanguardia storica, da Malevich a Kandinsky, Da Picasso a Duchamp,

da Picabia a Dalí. La sua pittura monumentale si riallaccia sia al genere storico, specchio degli eventi contemporanei, sia alla pittura

simbolica, a cui dà voce attraverso un intero bestiario di figure totemiche o animali arcaici. Il punto di forza dell’ultima fase della sua

opera è però rappresentato da un terzo genere, il Weltbild, l’immagine universale. Fino alla sua produzione della maturità, A.R. Penck

persegue l’idea di un’immagine visionaria capace di rappresentare in un’unica prospettiva la coralità del mondo. E lo fa privilegiando il

medium pittorico, ideale per narrare l’epos della storia umana in vari formati. 

A.R. Penck figura tra i protagonisti della scultura dell’ultimo trentennio. Si occupa di scultura fin dalla giovinezza, e il suo primo gruppo

plastico è costituito dai modelli realizzati con materiali poveri nell’ambito del progetto Standart; a metà degli anni Settanta realizza a

colpi d’ascia sculture in legno. A partire dal 1984 si concentra sulla tecnica di fusione in bronzo, lavorando a diversi formati fino a

giungere alla dimensione monumentale, con un percorso analogo a quello già seguito in pittura. 

Una sua grande opera in bronzo è esposta nel chiostro del Museo di Mendrisio. 

Con questo importante progetto, il Museo d’arte di Mendrisio si pone l’obiettivo di presentare il percorso creativo di A.R. Penck, per la

prima volta in area culturale italofona, attraverso le sue espressioni multiformi, cercando di fornire al pubblico gli strumenti per poter

comprendere la struttura complessa e profonda di questo grande protagonista dell’arte contemporanea. 

Normal
0

14

false
false
false

IT
X-NONE
X-NONE

/* Style Definitions */
table.MsoNormalTable
{mso-style-name:”Tabella normale”;
mso-tstyle-rowband-size:0;
mso-tstyle-colband-size:0;
mso-style-noshow:yes;
mso-style-priority:99;
mso-style-qformat:yes;
mso-style-parent:””;
mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt;
mso-para-margin-top:0cm;
mso-para-margin-right:0cm;
mso-para-margin-bottom:10.0pt;
mso-para-margin-left:0cm;
line-height:115%;
mso-pagination:widow-orphan;
font-size:11.0pt;
font-family:”Calibri”,”sans-serif”;
mso-ascii-font-family:Calibri;
mso-ascii-theme-font:minor-latin;
mso-fareast-font-family:”Times New Roman”;
mso-fareast-theme-font:minor-fareast;
mso-hansi-font-family:Calibri;
mso-hansi-theme-font:minor-latin;}

Titolo: “Cidade”

Artista: Iara Abreu

Tipologia: mostra personale online

Periodo: dal 12 novembre2021 al 08
gennaio  2022

Luogo: visibile online al link  https://artgallery-mcl.jimdosite.com/exhibition/

Presso: Artgallery MCL- virtual gallery

Sito: https://artgallery-mcl.jimdosite.com

mail: artgallerymcl@gmail.com

orari: 0:00-24:00

Testo

La
galleria virtuale d’arte contemporanea Artgallery MCL è lieta di presentare la
mostra personale dell’artista brasiliana Iara Abreu dal titolo
“CIDADE”,l’esposizione delle opere sarà visibile al link della
galleria e esibirà una serie di lavori dedicati al paesaggio urbano,tema ormai
ricorrente da molti anni come soggetto principale della ricerca artistica della
pittrice.

Nei
suoi dipinti,Iara Abreu ci trasporta nei suoi amati luoghi,città e metropoli
del Brasile,descrive attraverso l’uso della fantasia e del colore scene di vita
quotidiana di un popolo meraviglioso,l’artista utilizza
varie tecniche,insieme a materiali e supporti diversi che le  permettono di esprimere con grande facilità le
sue emozioni e l’amore per il suo paese e la sua gente.

Nata a Belo
Horizonte-MG, dove vive e lavora. Laureata in Full Degree in Drawing and
Plastics, presso l’ex “FUMA” attuale UEMG-Universidade do Estado,ha partecipato
con le sue opere a numerose mostre personali e collettive,inoltre e ideatrice e
coordinatrice di vari progetti collettivi dedicati alla poesia e alle arti
visive.

Dopo una lunga
serie anteprime e di mostre, internazionali e nazionali (da Los Angeles ad
Algeri, da Firenze a Roma) si inaugura giovedì 25 novembre a Gaeta, ISBN Dante e altre Visioni, di Corrado
Veneziano. L’esposizione, unica mostra di un artista contemporaneo dell’ampio
programma governativo Dante 700, è tutta
imperniata sulla Divina Commedia.

Veneziano, indugiando
anche sul figurativo, rilegge le tre Cantiche di Dante attraverso i codici
algoritmici degli ISBN letterari disponendo trentatré (o trentaquattro, per
l’Inferno) linee tra loro parallele che si fanno di volta in volta graffi,
tende, colonne, e poi righe, tratti e segni elegantissimi su cui in alto
campeggiano le parole di Dante e delle sue terzine. In altre tele, l’artista
valorizza invece un altro codice, l’alfabeto Morse, fatto di linee e punti, già
presenti nella ricerca pittorica a partire da Kandinskji, e carichi di
implicazioni ritmiche, orali e musicali. In altri quadri, infine, la mostra restituisce
suggestioni e parole di grandi autori del Novecento (Eliot, Pound, Borges)
orgogliosamente e dichiaratamente debitori della poetica dantesca.

L’appuntamento di
Gaeta, nella suggestiva cornice della Pinacoteca “Antonio Sapone”, è arricchito
da altre opere originali e inedite (mai prima presentate al pubblico) di
Veneziano, che attualizzano il messaggio dantesco, legandolo con la città di
Gaeta, e proponendolo come messaggio universale e collettivo: insuperabilmente,
profondamente umano.

Il Catalogo, con
i contributi critici di Francesca Barbi Marinetti, Niccolò Lucarelli, Raffaella
Salato, è edito da Il Sextante di
Mariapia Ciaghi, che ha curato i rapporti internazionali del progetto.

La mostra è visitabile nella sede della
Pinacoteca di Gaeta, in via De Lieto, n. 2. Per maggiori informazioni (anche su
eventuali, contingenti necessità di contenimento dei visitatori), si suggerisce
di telefonare al 339.2776173, oppure di scrivere a p_ricci4@virgilio.it.

 

Sito web: www.pinacotecagaeta.it

 

Biglietto: 5 euro

 

Orari

Venerdì 16 – 11

Sabato e domenica
11-16 e 16-19

 

Ufficio
stampa

Spaini&Partners

T.
349 8765866

guido.spaini@spaini.it

 

L’Assessorato Beni culturali, Turismo, Sport e
Commercio della Regione autonoma Valle d’Aosta comunica che martedì 30 novembre
2021 alle ore 18,30 sarà inaugurata al Centro Saint-Bénin di Aosta la mostra “Architetture
contemporanee sulle Alpi occidentali italiane”, realizzata in collaborazione con il Centro di Ricerca «Istituto di Architettura
montana» del Politecnico di Torino.

 

L’esposizione presenta le tavole progettuali di più
di cinquanta edifici realizzati nei territori montani di Valle d’Aosta e
Piemonte. Si tratta di opere in cui la qualità dell’organizzazione dello spazio
si intreccia ai processi di sviluppo locale e alla diffusione di pratiche
abitative innovative.

Rigenerazione dei luoghi a base culturale, nuova
agricoltura, green economy, valorizzazione e riuso del patrimonio,
turismo sostenibile, sono i temi di cui occorre sempre più tener conto nel
delicato momento della progettualità.

Le tavole progettuali illustrano una “montagna”
vista come territorio da abitare, testimone di un cambiamento culturale in cui
l’architettura e l’aménagement del paesaggio tornano a giocare un ruolo
strategico. Una trasformazione che vede progettisti e committenti interagire
per soddisfare le molteplici esigenze riscoprendo l’importanza del progetto di
qualità.

 

La mostra è ad ingresso gratuito
e sarà aperta al pubblico fino al 13 febbraio 2022. Orario di apertura:
martedì-domenica, dalle 10 alle 13 e dalle 14 alle 18.

Per garantire la
sicurezza sanitaria, si richiede che i visitatori indossino le mascherine. Il
personale di sorveglianza indirizzerà il flusso del pubblico e gli utenti
fruiranno di entrate/uscite differenziate. E’ necessario esibire il green pass.

 

Per informazioni:

Regione autonoma Valle d’Aosta

Assessorato Beni culturali. Turismo, Sport
e Commercio

Soprintendenza per i beni e le attività
culturali

Struttura Attività espositive e promozione
identità culturale

u-mostre@regione.vda.it

Sede espositiva Hôtel des États

Piazza Chanoux, 8 – Aosta

Tel. 0165. 300552

www.regione.vda.it    

L’I.N.A.C., Istituto Nazionale d’Arte Contemporanea, in
collaborazione con il Comune di Casale Monferrato e lo Studio d’Arte GR di
Pordenone, promuove e realizza la doppia mostra personale di Claudio Rotta
Loria (Torino, 1949) e Jorrit Tornquist (Graz, Austria, 1938), “Le vibrazioni
del colore”, curata da Giovanni Granzotto e Anselmo Villata e allestita nello
storico e suggestivo Castello del Monferrato di Casale (AL) dal 4 dicembre 2021
al 31 gennaio 2022.

La mostra è composta da circa cinquanta opere dei due maestri che, pur
lontani geograficamente di origine e di formazione, ma anche di età, presentano
forti affinità nella ricerca e nei risultati estetici, formali, cromatici,
luministici.

Per entrambi questi due Maestri dell’Arte Contemporanea, la
percezione visiva è legata all’emozione che un’epifania cromatica o luministica
riesce ad accendere in ogni spettatore. 

Per Claudio Rotta Loria la mostra è incentrata soprattutto
sulle Superfici a interferenza luminosa, ricerca iniziata alla fine
degli anni ‘60 e poi continuata, pur con qualche digressione ed esplorazione in
altri campi, fino ai giorni nostri. La costante del lavoro di Rotta Loria, è
quella di andare a scovare le dinamiche e le possibilità delle superfici
colpite e attraversate da una luce radente che, più che individuare le forme,
riesce magicamente ad animarle attraverso impercettibili vibrazioni, e
attraverso sottili e impalpabili fremiti luministici. 

Nel caso Tornquist, austriaco naturalizzato bergamasco, si
tratta di una lunga cavalcata che parte dai primi Opus: una ricerca mai
interrotta che trova negli anni ‘60 e ‘70, un particolare approfondimento delle
problematiche della luce in rapporto alla percezione cromatica. Tornquist poi
continuerà l’approfondimento del discorso percettivo, sottolineando sempre di
più le qualità e le caratteristiche del pigmento, utilizzato sia con diverse
tipologie di addensamento dello stesso, sia in un continuo cambiare i supporti
in cui esso si può riconoscere (tele, stracci, garze, legno, ecc.)

Il confronto anche fra i pieni e i vuoti, fra il totale e il
parziale dell’opera, continuerà a sollecitare gli studi di Tornquist sulle
possibilità cromatiche, per arrivare infine, ritornando quasi alle origini, a
scoprire come il colore si dichiari e si nasconda nella stessa opera. 

La mostra è corredata da un volume edito da Verso l’Arte
contenente i testi critici dei curatori, le foto delle opere esposte, le
biografie degli artisti.

 

Orari

Sabato – domenica 10-13 14-18

Altri giorni su prenotazione

 

Ingresso: gratuito

 

Catalogo: Edizioni Verso l’Arte

 

Castello del Monferrato
P.zza Castello
tel  0142 444329

 

Ufficio
Stampa

Spaini & Partners

www.spaini.it

tommaso.spaini@spaini.it   T. 3400510214

guido.spaini@spaini.it         T. 3498765866

 

L’Assessorato Beni
culturali, Turismo, Sport e Commercio della Regione autonoma Valle d’Aosta
comunica che venerdì 10 dicembre 2021,
alle ore 18, sarà presentata, presso la sede espositiva Hôtel des États di
Aosta, la mostra René Monjoie. Incontri fortuiti. L’esposizione, realizzata
dalla Struttura Attività espositive e promozione identità culturale e curata da
Daria Jorioz, propone un progetto
artistico in cui René Monjoie abbandona il ruolo di fotografo professionista
per dedicarsi liberamente all’arte, offrendo al pubblico immagini inedite
accostate in trittici che suggeriscono analogie e contrasti, dialoghi e
suggestioni. La mostra è arricchita da un video realizzato da Andrea Alborno.

Afferma
l’Assessore Jean-Pierre Guichardaz:
“Questa mostra costituisce un omaggio ad
un fotografo molto noto e apprezzato nella nostra regione, che ha contribuito
alla documentazione e alla valorizzazione dei beni culturali in Valle d’Aosta.
Sono certo che questa iniziativa espositiva potrà essere apprezzata dagli
appassionati di fotografia e di arte contemporanea.”

Scrive
in catalogo la curatrice, Daria Jorioz: “René
Monjoie presenta al pubblico i suoi appunti visivi in questo progetto inedito
dal titolo Incontri fortuiti.
Liberatosi per sua stessa dichiarazione della macchina fotografica e del
cavalletto, compagni preziosi di decenni, ha deciso di continuare ad osservare
il mondo con la meraviglia di sempre, ma più leggero, armato soltanto della fotocamera
del suo cellulare. La capacità di osservare, l’abilità nella scelta delle
inquadrature, lo sguardo limpido di chi si sa ancora stupire, l’arguzia,
l’ironia e la curiosità innate, oltre ad una cultura artistica e letteraria non
comuni, gli consentono di essere un osservatore privilegiato della realtà e di
giocare con le immagini.”

 

René Monjoie nasce a Parigi
nel 1937 dove ha vissuto e lavorato fino al 1970, data in cui si trasferisce in
Valle d’Aosta, paese d’origine della moglie Franca.

Diplomatosi
al liceo artistico di Parigi École Boulle,
nel 1959 frequenta un corso di designer all’École
des Arts Appliqués e al Conservatoire
des Arts et Métiers. Sempre nel 1959 svolge il servizio militare,
trascorrendo un periodo in Algeria, dove ha inizio la sua carriera di
fotografo. Tra il 1962 e il 1970, a Parigi, lavora presso lo studio di Design Technés, frequentato da artisti quali
César, Armand, Ipoustéguy, poi presso l’Agenzia di Pubblicità O.F.R.E.P. e
presso la Compagnie Française d’Édition.
Dal 1967 al 1970 diventa fotografo indipendente, occupandosi di attività
pubblicitarie e di fotoreportage d’illustrazione e decorazione per “La Maison
de Marie Claire” e “Marie France”.

Nel
1969 partecipa al Salon des artistes
décorateurs al Grand Palais di
Parigi, con due opere, una delle quali di arte cinetica.

Dal
1971 al 1999 ha svolto la sua attività di fotografo professionista in Valle
d’Aosta, specializzandosi in riprese di affreschi e opere d’arte, fotografie di
rilievi e disegni di reperti riportati alla luce nei cantieri archeologici,
immagini di località turistiche, oggetti di artigianato, installazioni
industriali. Ha collaborato a lungo con la Soprintendenza per i Beni e le
attività culturali della Valle d’Aosta e ha insegnato fotografia nell’ambito
del corso regionale per la formazione dei rilevatori dell’Architettura rurale.

 

La
mostra Incontri fortuiti, che rimarrà
aperta fino al 27 febbraio 2022, è arricchita da un catalogo illustrato bilingue
italiano-francese, con testi di René Monjoie, Jean-Pierre Guichardaz, Daria
Jorioz e Gianni Nuti, pubblicato da Sagep Editore, acquistabile in mostra al prezzo
di 15 euro.

 

Orario di
apertura: martedì-domenica, dalle 10 alle 13 e dalle 14 alle 18. La mostra è a
ingresso gratuito.

Per garantire la
sicurezza sanitaria, si richiede che i visitatori indossino le mascherine. Nella
sede espositiva sarà fatta rispettare la distanza minima di oltre un metro e
l’afflusso sarà regolamentato in modo da evitare assembramenti. È obbligatorio
esibire il Green pass.

Per informazioni:

Regione autonoma Valle d’Aosta

Assessorato Beni culturali. Turismo, Sport e
Commercio

Soprintendenza per i beni e le attività culturali

Struttura Attività espositive e promozione identità
culturale

u-mostre@regione.vda.it

Sede espositiva Hôtel des États

Piazza Chanoux, 8 – Aosta

Tel. 0165. 300552

www.regione.vda.it    

SANDRO  BONGIANI VRSPACE

Mostra Retrospettiva di Andrea  Bonanno

“L’uomo contemporaneo tra degrado e
riscatto”

Opere 1976 – 2021

A cura di Sandro Bongiani

11 dicembre 2021 – 13 febbraio 2022

Via S. Calenda 105/D, 84126 SALERNO
(Italy).

https://www.sandrobongianivrspace.it/

 

Preview /AMACI –  11 dicembre 2021 ore 18:00

 (L’evento partecipa alla diciassettesima
giornata del contemporaneo

promossa da
AMACI Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani)

#GiornataDelContemporaneo

 

“… le figure, come delle apparizioni
inquietanti, uscite dai loro corpi reali per assumere delle forme declinanti il
vuoto e l’assenza della spiritualità e della sentimentalità dell’uomo…”

In occasione di
AMACI-17.Giornata Del Contemporaneo viene organizzata dalla Collezione Bongiani
Art Museum di Salerno presso la Galleria “SANDRO  BONGIANI VRSPACE”
www.sandrobongianivrspace.it, la retrospettiva di Andrea Bonanno dal
titolo,
“L’uomo contemporaneo tra degrado e riscatto”, con opere dal 1976-2021 a cura
di Sandro Bongiani. La mostra cerca di fare il punto sulla condizione anonima
dell’uomo contemporaneo da lungo tempo indagata dall’artista con coerenza e
originalità creativa. Una visione intesa come rivelazione della condizione di
degrado, diretta ad investigare e
a rispondere alla problematica del destino
dell’homo tecnologicus, rappresentato come una figura  estraniata dell’inconsistenza
e da una tormentata scissione, incapace ormai di  ricercare il suo essere e la sua vera identità.

Anonime
presenze vivono atteggiate in un perdurante silenzio
interrogativo e metafisico, così  come gli
spazi dell’uomo rivelati come aree di commisurazioni fra
perdita e sogno. Una
particolare weltanschauung dell’uomo presentato come  desolato
involucro, senza più organi interni
e anima, a stento comunicanti tra
loro, in un clima segnato da
una ingrata solitudine e da un’assillante dissoluzione.

Sono
presenze dell’assenza dell’umano
che tentano invano di
ritrovare la vitalità,
di resistere all’immane perdita delle loro funzioni immaginative e
critico-riflessive. Le
figure convivono
in paesaggi desolati, si aggirano in tossici scenari degradati sconvolti da una perdurante azione
inquinante da sembrare riflettere anch’essi le stigmate dello
sconvolgimento. Quasi
sempre, mostrano il
lato oscuro di una insolita
staticità, in realtà, restano
solo delle fugaci apparizioni, con presenze
uscite dai loro corpi reali per
assumere forme declinanti il vuoto e l’assenza. Stando a questa particolare tematica nel dipingere l’uomo indagata
con un acuto atteggiamento “verificale”, riflessivo e critico,  viene denunciata  l’assenza perduta dell’uomo e l’invito ad un ripensamento,
a ritrovare un barlume di riscatto, di
possibile liberazione da una condizione che aliena profondamente e degrada profondamente
l’uomo, conducendolo alla sua completa destrutturazione e ad una totale negazione
della sua precaria e inconsistente condizione umana. Sandro
Bongiani.                            

                                                                                                     

 

Breve
biografia di Andrea Bonanno

 

Andrea   Bonanno, nato a Menfi
(AG), ha  iniziato  ad  
esporre  a  partire 
dal  1966, dopo aver  rifiutato 
ogni  pittura manieristica  e 
fuori  dalle  fondamentali  
esigenze   spirituali  del nostro 
tempo. Pittore, saggista e scrittore, svolge  da 
anni  un’ intensa  attività 
pittorica  e  letteraria, spaziando  dalla poesia alla  critica 
d’arte  e  alla 
letteratura, partecipando a  molte
manifestazioni nazionali  ed  internazionali  ottenendo 
lusinghieri  consensi  di  critica  ed 
importanti riconoscimenti.

 

Ha pubblicato opere saggistiche,
come L’arte e la verifica trascendentale
(saggio critico, Edizioni Tracce, Pescara 1992, Per un’arte della verifica
trascendentale (Edizioni Pubblicoop, Sessa Aurunca, 1994), La poesia di Pietro Terminelli (Edizioni
L’Involucro, Palermo, 1995), La verifica
nell’arte figurativa contemporanea ed altri saggi (Phasar Edizioni,
Firenze, 2001), seguiti negli anni successivi da altri titoli: Saggi sulla
poesia di  M. Grazia Lenisa
(Monografia), Edizioni Archivio “L. Pirandello”, Sacile, 2003. Il
volume è stato ristampato in seconda edizione nel 2004 con l’aggiunta di altri
saggi; Saffo Chimera di Maria Grazia Lenisa, (Commento), Edizioni
Archivio “L. Pirandello”, Sacile, 2005, Poeti contemporanei per la
verifica trascendentale (saggi), Ediz. Archivio “Luigi Pirandello”, Sacile,
2007, L’arte  deviata, otto Biennali
di Venezia ed altri saggi, Ediz. Archivio “L. Pirandello”, 2010, Il
romanzo e la verifica trascendentale (Vittorini, Piovene, Saviane), Ediz.
Archivio “L. Pirandello”, 2014,  Van
Gogh e la pittura <<verificale>>, Youcanprint Self Publishing,
Trecase (LE), 2016.

Sue
opere e pubblicazioni sono in istituzioni, musei e collezioni pubbliche e
private in Italia e all’estero.

 

Arte Borgo Gallery
presenta da sabato 11 dicembre alle ore 18.00, la V edizione
della mostra collettiva Christmas Art curata da Anna Isopo e Giorgia
Pirone, con la presentazione critica di Cinzia Folcarelli.

La mostra anche in questa
edizione propone una selezione di opere che riusciranno a conciliare la
suggestiva magia natalizia, nella pienezza delle emozioni e tradizioni, con la sensibilità
e interiorità espressiva degli autori.

Circa 30 le opere in mostra
che rappresentano al meglio i singoli stili che caratterizzano i 19 artisti in
mostra.

Un appuntamento che coinvolge
artisti del panorama contemporaneo, occasione di dialogo tra forma e materia,
tra figurazione e astrazione alimentando un senso di partecipazione collettiva
e regalando nuovamente all’osservatore emozioni forzatamente placate dagli
eventi recenti.

Pittura, scultura e fotografia
 rappresentano i diversi linguaggi degli
artisti Renate Anding, Isabella Angelini, Clara Calì, Luigi Cannone, Paola
Ceci, Marco Coletti, Fabio Corriere, Antonello Cristella, Daniela de Scorpio,
Antonio Esposito, Enrico Frusciante, Elisabetta Giambanco, Elke Hubmann-Kniely,
Silvana Landolfi, Gaya Lastovjak, Luca Marchetti, Pasquale Ricci, Pau Sintes,
Diego Veneziani che saranno in mostra fino al 4 gennaio con
l’intento di condurre gli osservatori in un viaggio volto a riscoprire la parte
più celata in ognuno di noi ampliata dalla magica atmosfera natalizia.

L’esposizione, inoltre, si
prefigge di inserire l’Arte e la Cultura tra le mete dello shopping natalizio e
non solo.  Lo scopo principale di Arte
Borgo Gallery è quello di sensibilizzare e avvicinare un pubblico sempre maggiore
al mondo dell’arte.

La mostra, successivamente
all’opening di sabato 11 dicembre alle ore 18.00,  sarà visitabile con i seguenti orari: lunedì
dalle 15 alle 19, dal martedì al venerdì dalle 11 alle 19, sabato  dalle 10 alle 13, domenica e festivi chiuso.

L’ingresso sarà contingentato
secondo le normative vigenti. È obbligatorio l’uso della mascherina, attenersi
a tutti i protocolli di sicurezza ed esibire il green pass.

Per tutte le ulteriori info: 345-22.28.110  info@arteborgo.it   www.arteborgo.it

Arte
Borgo Gallery Borgo Vittorio 25 00193 Roma

Spazio Ophen  Virtual Art Gallery

Mostra Antologica di Paolo Gubinelli

“Segni, graffi
e colore”

(Carte,
ceramiche, vetri e progetti in plexiglass)

 Opere dal 1977- 2021

a cura di Sandro Bongiani

11 dicembre 2021 – 13 febbraio 2022

Via S. Calenda 105/D, 84126  SALERNO (Italy).

http://www.collezionebongianiartmuseum.it

 

Preview /AMACI – 11 dicembre 2021 ore 18:00

 (L’evento partecipa alla diciassettesima
giornata del contemporaneo

promossa da AMACI
Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani)

#GiornataDelContemporaneo

 

In occasione di AMACI-17Giornata Del
Contemporaneo viene organizzata dalla Collezione Bongiani Art Museum di Salerno
presso lo SPAZIO OPHEN VIRTUAL ART GALLERY http://www.collezionebongianiartmuseum.it la mostra antologica a
cura di Sandro Bongiani dedicata a Paolo Gubinelli
dal titolo “Segni,
graffi e colore”, 72 opere del
1977-2021 tra carte, ceramiche, vetri, e progetti in
plexiglass. L’attività artistica
di Paolo Gubinelli si innesta in un particolare versante di ricerca, di
esperienze e di sperimentazioni in cui  il segno, la traccia e il colore, unitamente
alla carta, sono  gli assoluti
protagonisti. Un bisogno urgente di purificare la materia, con un bianco
assoluto che riemerge sempre per divenire apparizione, luce, e riflessione del
vivere. Queste autentiche e insolite trascrizioni e progressioni analitiche innervate
da una costante tensione immaginativa diventano autentiche partiture di luce, nella
consapevolezza di una realtà puramente visibile. Una delicata e insolita
geometria affiora dalla superficie dell’opera alla ricerca della luminosità,
giocata sul filo sottile e oscuro del segno e sul tratto cromatico, con una
variazione di umori sempre in continua tensione nella necessità  di un bisogno impellente della ricerca e della
rappresentazione. In questa insolita e immediata tensione a trascrivere i
pensieri nascosti della mente, con un segno velato appena percepibile, Paolo Gubinelli ci svela il
libero moto della coscienza, in una interpretazione tutta lirica che fa
affidamento alla poesia e all’intima immaterialità di umori nascosti e trascorrenti.
Raccordare per segni sospesi e tracce di materia fragile, sinteticamente provvisoria
e avvolgente, con  un vivo interesse per la carta, sentita come mezzo
congeniale di espressione; nei primi tempi rivelata con un rigore degnamente
geometrico-costruttivo e  in una forma analitica logico razionale alla
ricerca della luce, e oggi, negli ultimi lavori, indagata in una espressione
più libera che si concreta con qualche sottile segno e graffio minimo, inciso a
rilievo sulla carta immacolata,  e definita 
provvisoriamente dentro i toni delicati e i gesti acquerellati o a pastello di
una materia decisamente insostanziale e fragile. Un segno inciso davvero
l’unico come strumento per indagare l’esistenza e la vita oscura dell’uomo. Tracce
minime, segnate da un insolito procedere permettono all’artista di rilevare una
materia di umori sofferta e decantata, giocata insistentemente sulla presenza e
sul filo teso della meditazione tra coscienza, desiderio  e aspirazione. Davvero un’insolita geometria
della mente raccordata per lacerti di senso in divenire che fa emergere improvvisamente
e nel contempo dissolve nel vuoto della fragile carta la materia per collocarsi
nei meandri oscuri, nell’angolo più nascosto e intimo del nostro mondo
interiore, in una sorta di trascorrente consistenza rarefatta e mentale di
umori in cui possa finalmente incarnarsi l’esistenza ormai ridotta a un fragile
affiorare del pensiero nella più inconsistente e sofferta incoscienza
dell’agire.   Sandro Bongiani

   

Breve biografia di Paolo Gubinelli

 

Nato a Matelica (MC) nel 1945, vive e lavora
a Firenze. Si diploma presso l’Istituto d’arte di Macerata, sezione pittura,
continua gli studi a Milano, Roma e Firenze come grafico pubblicitario,
designer e progettista in architettura. Giovanissimo scopre l’importanza del concetto
spaziale di Lucio Fontana che
determina un orientamento costante nella sua ricerca: conosce e stabilisce
un’intesa di idee con gli artisti e architetti:  Giovanni Michelucci, Bruno Munari, Ugo La Pietra, Agostino Bonalumi,
Alberto Burri, Enrico Castellani, Piero Dorazio, Emilio Isgrò, Umberto Peschi,
Edgardo Mannucci, Mario Nigro, Emilio Scanavino, Sol Lewitt, Giuseppe Uncini,
Zoren. Nella sua attività artistica è andato molto presto maturando, dopo
esperienze pittoriche su tela o con materiali e metodi di esecuzione non
tradizionali, un vivo interesse per la “carta”, sentita come mezzo più
congeniale di espressione artistica: in una prima fase opera su cartoncino
bianco, morbido al tatto, con una particolare ricettività alla luce, lo incide
con una lama, secondo strutture geometriche che sensibilizza al gioco della
luce piegandola manualmente lungo le incisioni. In un secondo momento,
sostituisce al cartoncino bianco, la carta trasparente, sempre incisa e
piegata; o in fogli, che vengono disposti nell’ambiente in progressione
ritmico-dinamica, o in rotoli che si svolgono come papiri su cui le lievissime
incisioni ai limiti della percezione diventano i segni di una poesia non
verbale. Nella più recente esperienza artistica, sempre su carta trasparente,
il segno geometrico, con il rigore costruttivo, viene abbandonato per una
espressione più libera che traduce, attraverso l’uso di pastelli colorati e
incisioni appena avvertibili, il libero imprevedibile moto della coscienza, in
una interpretazione tutta lirico musicale.  Oggi questo linguaggio si
arricchisce sulla carta di toni e di gesti acquerellati acquistando una più
intima densità di significati.

Nel 2011 ha
esposto  alla 54° Biennale Internazionale
di Venezia, Padiglione Italia, presso L’Arsenale invitato da Vittorio Sgarbi e
scelto da Tonino Guerra, con l’installazione di n. 28 carte di cm. 102×72
accompagnate da un manoscritto inedito di Tonino Guerra.

 

Le sue opere sono esposte in permanenza nei
maggiori musei in Italia e all’estero.

MAESTRI DELL’ARTE ITALIANA DEL NOVECENTO
Dipinti e sculture

14 dicembre 2021 – 22 gennaio 2022

La Galleria Michelangelo propone opere di artisti che svilupparono ricerche interessanti ed innovative restando nell’ambito della rappresentazione della realtà, interpretando con fervore e creatività tre dei temi più ricorrenti nella pittura classica: paesaggio, figura e natura morta.
Dipinti e sculture come impronte di un secolo, il Novecento, che abbiamo lasciato alle spalle ma che ancora ci chiama e ci avvince, con quel sottile fascino che il tempo sempre più andrà tingendo di storia.
Un Novecento fatto di abili creatori, di eccellenti maestri del colore, delle forme e della materia che, osservata oggi, si dispiega in una produzione così varia, così raffinata ed intensa da far veramente, come si usa dire, “scuola”.
Tra gli artisti più interessanti, Fiorenzo Tomea (1910-1960) in mostra con la bellissima natura morta “Fiori alla finestra” dal ciclo pittorico chiamato Finestre.; Achille Funi (1890-1972), fondatore del Gruppo di Novecento, con “Autoritratto” del 1946.
Bruno Cassinari (1912-1992) è presente con un raro “Paesaggio” del 1946 ed Ernesto Treccani, (1920-2009), fondatore ed esponente del movimento Corrente, presenta “Paesaggio” del 1962 e “Fiori rossi” del 1963.
Raul Viviani (1883-1965) tornato in Italia nella seconda metà degli anni trenta dopo aver trascorso diversi anni in Uruguay per dirigere l’Accademia di pittura di Montevideo, è presente con una natura morta di matrice divisionista.
In omaggio al maestro Trento Longaretti, (1916-2017) sono presenti tre opere tra le quali spicca una magnifica “Maternità in azzurro”.
La sezione scultorea è rappresentata dall’artista Nag Arnoldi, da Eros Pellini, Renato Peduzzi e da Carlo Fontana.
Sono opere selezionate con cura, di grande fascino, realizzate da una generazione di artisti che ha condiviso la formazione di un nuovo linguaggio plastico, contribuendo a quelle forme d’avanguardia che, pur presentando elementi comuni alla pittura europea dei primi decenni del XX secolo, rendono originale e feconda l’arte del periodo.

Artisti in mostra:

ARNOLDI NAG
BOSCHI DINO
CASSINARI BRUNO
CATTANEO ACHILLE
FUNI ACHILLE
LONGARETTI TRENTO
MAGGI CESARE
MARUSSIG PIERO
MANTOVANI LUIGI
PASTORIO EZIO
SALIETTI ALBERTO
SCORZELLI EUGENIO
SERVALLI PIETRO
PEDUZZI RENATO
PELLINI EROS
TOMEA FIORENZO
TRECCANI ERNESTO
VIVIANI RAUL

INFO E PRENOTAZIONI

Bergamo, via Broseta, 15 tel. 035-221300 mob. 335-5477133

puoi scriverci su WhatsApp, tramite Facebook, Messenger o inviare una mail a info@galleriamichelangelo.it

Al fine di garantire la tutela ed il rispetto della salute delle persone e nel rispetto delle normative vigenti relative alla prevenzione del Covid-19 è gradita la prenotazione.

Gli spazi della galleria sono costantemente igienizzati, forniti di termometro e gel sanificante.

La galleria michelangelo è aperta dal martedì al sabato dalle 9.30 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.00

IMPACT ART

 

17 dicembre | 14 gennaio

 

MAPPAE | PAESAGGI UMANI

 

LUCILLA
MONARDI | FEDERICO OCCHIPINTI | LARIA MICALE | GIULIA CAPPONI

A cura di Oriana Picciolini

Dato che niente
accade dove la delineazione
è il proprio pretesto
per esistere,
la mappa è come era:
un grafico
di come il mondo potrebbe apparire se
fossimo
in grado di mantenere una duratura,
impeccabile distanza da
quello che è.

 

La forma più
semplice di rappresentare il mondo, quello interiore o quello che ci ospita non
è fissare sulla carta i luoghi ma è legata al percorso: è il promemoria della
successione delle tappe, il tracciato di un percorso disegnato sul paesaggio,
sui volti e sugli oggetti.

Per contenere il mondo
si sovrappongono così due geografie quella dalla parte, del vissuto e quella
del tutto che lo contiene.

 

Dal 17 dicembre al
14 gennaio 2022, quattro artisti: Lucilla Monardi, Federico Occhipinti, Ilaria
MIcale e Giulia Capponi saranno ospitati negli spazi di Impact Hub al rione
Monti. Impact Hub è il principale network internazionale dedicato
all’innovazione sociale e sostenibile e da oltre 10 anni lavora a Roma per
promuovere un impatto positivo nella società e nell’ambiente.

 

Per il secondo appuntamento
del progetto “Impact Art” le opere dei giovani artisti delineano il confine tra
il dentro e il fuori costruendo mappe interiori come strumenti di  orientamento.

 

LUCILLA MONARDI:

Il suo lavoro si basa
sull’esplorazione della fragilità e della meraviglia per l’esistenza e, per il
rapporto tra noi e la natura delle cose. Il femminile come simbolo di fragilità
ma che in realtà sprigiona una grande forza evocativa ancestrale. Principalmente
realizza i suoi lavori ad acrilico su tela e per alcune opere anche plexiglass,
rete elettrosaldata ed elementi naturali.

FEDERICO OCCHIPINTI

La collezione di illustrazioni “All
around the world” rappresenta un insieme di momenti speciali vissuti in giro
per il mondo. Tutti i disegni sono il risultato di quei momenti di otium,
sofisticata arte degli antichi Romani, in cui si trasforma il ricordo e la
musica di ciascun viaggio in qualcosa di materiale. L’ispirazione è arrivata
con il viaggio alle Hawaii, dove l’incontro con il magico Aloha spirit che abita
quelle isole, l’ha spinto  a far esplodere di colori
la carta delle sue stampe.

ILARIA MICALE

Nata a Milano,
cresciuta in Svizzera. La serie di dipinti “Sapori di Casa” rappresenta il
concetto di casa come qualcosa di ambivalente, da una parte è, dove è cresciuta;
dall’altra il posto dove è nata. In “Sapori di casa” si riferisce proprio a
quest’ultimo, l’Italia d L’Italia ha l’effetto di farle vedere cosa in Svizzera
non c’è, e di farle sentire l’esigenza di rappresentarlo, come, per esempio, la
signora che parla dalla finestra, in Svizzera non è una cosa che si fa, lei lo
cattura e lo rappresenta.

 

GIULIA CAPPONI

Diplomata in
fumetto alla Scuola Internazionale di Comics di Roma ha curato le illustrazioni
per “Avventure di Zampino, gatto metropolitano” una pubblicazione per Rapsodia
Edizioni. Collabora con la casa editrice Vesepia e con Toponomastica al
femminile. Recentemente ha vinto il bando della Regione Lazio Vitamina G dove
cura la parte grafica.

 

 

Esposizione d’arte

 

MAPPAE | PAESAGGI URBANI

 

Inaugurazione: venerdì 17 dicembre
ore 18.30

 

IMPACT  HUB
via Palermo, 41 | Roma

 

17 DICEMBRE | 14
GENNAIO

 

lun – ven 15.00 | 19

sab – dom  11 | 17

 

Info e contatti

 

impactart@hubroma.net

orianapicciolini@gmail.com

 

https://rome.impacthub.net

 

Entrata libera

 

Green Pass
obbligatorio

 

 

 

 

 

 

 

Normal
0

14

false
false
false

IT
JA
X-NONE

/* Style Definitions */
table.MsoNormalTable
{mso-style-name:”Tabella normale”;
mso-tstyle-rowband-size:0;
mso-tstyle-colband-size:0;
mso-style-noshow:yes;
mso-style-priority:99;
mso-style-parent:””;
mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt;
mso-para-margin:0cm;
mso-para-margin-bottom:.0001pt;
mso-pagination:widow-orphan;
font-size:12.0pt;
font-family:Cambria;
mso-ascii-font-family:Cambria;
mso-ascii-theme-font:minor-latin;
mso-hansi-font-family:Cambria;
mso-hansi-theme-font:minor-latin;}

IMPACT ART

 

17 dicembre | 14 gennaio

 

MAPPAE | PAESAGGI UMANI

 

LUCILLA
MONARDI | FEDERICO OCCHIPINTI | LARIA MICALE | GIULIA CAPPONI

 

A cura di Oriana Picciolini

 

Dato che niente
accade dove la delineazione
è il proprio pretesto
per esistere,
la mappa è come era:
un grafico
di come il mondo potrebbe apparire se
fossimo
in grado di mantenere una duratura,
impeccabile distanza da
quello che è.

 

La forma più
semplice di rappresentare il mondo, quello interiore o quello che ci ospita non
è fissare sulla carta i luoghi ma è legata al percorso: è il promemoria della
successione delle tappe, il tracciato di un percorso disegnato sul paesaggio,
sui volti e sugli oggetti.

Per contenere il mondo
si sovrappongono così due geografie quella dalla parte, del vissuto e quella
del tutto che lo contiene.

 

Dal 17 dicembre al
14 gennaio 2022, quattro artisti: Lucilla Monardi, Federico Occhipinti, Ilaria
MIcale e Giulia Capponi saranno ospitati negli spazi di Impact Hub al rione
Monti. Impact Hub è il principale network internazionale dedicato
all’innovazione sociale e sostenibile e da oltre 10 anni lavora a Roma per
promuovere un impatto positivo nella società e nell’ambiente.

 

Per il secondo appuntamento
del progetto “Impact Art” le opere dei giovani artisti delineano il confine tra
il dentro e il fuori costruendo mappe interiori come strumenti di  orientamento.

 

LUCILLA MONARDI:

Il suo lavoro si basa
sull’esplorazione della fragilità e della meraviglia per l’esistenza e, per il
rapporto tra noi e la natura delle cose. Il femminile come simbolo di fragilità
ma che in realtà sprigiona una grande forza evocativa ancestrale. Principalmente
realizza i suoi lavori ad acrilico su tela e per alcune opere anche plexiglass,
rete elettrosaldata ed elementi naturali.

FEDERICO OCCHIPINTI

La collezione di illustrazioni “All
around the world” rappresenta un insieme di momenti speciali vissuti in giro
per il mondo. Tutti i disegni sono il risultato di quei momenti di otium,
sofisticata arte degli antichi Romani, in cui si trasforma il ricordo e la
musica di ciascun viaggio in qualcosa di materiale. L’ispirazione è arrivata
con il viaggio alle Hawaii, dove l’incontro con il magico Aloha spirit che abita
quelle isole, l’ha spinto  a far esplodere di colori
la carta delle sue stampe.

ILARIA MICALE

Nata a Milano,
cresciuta in Svizzera. La serie di dipinti “Sapori di Casa” rappresenta il
concetto di casa come qualcosa di ambivalente, da una parte è, dove è cresciuta;
dall’altra il posto dove è nata. In “Sapori di casa” si riferisce proprio a
quest’ultimo, l’Italia d L’Italia ha l’effetto di farle vedere cosa in Svizzera
non c’è, e di farle sentire l’esigenza di rappresentarlo, come, per esempio, la
signora che parla dalla finestra, in Svizzera non è una cosa che si fa, lei lo
cattura e lo rappresenta.

 

GIULIA CAPPONI

Diplomata in
fumetto alla Scuola Internazionale di Comics di Roma ha curato le illustrazioni
per “Avventure di Zampino, gatto metropolitano” una pubblicazione per Rapsodia
Edizioni. Collabora con la casa editrice Vesepia e con Toponomastica al
femminile. Recentemente ha vinto il bando della Regione Lazio Vitamina G dove
cura la parte grafica.

 

 

Esposizione d’arte

 

MAPPAE | PAESAGGI URBANI

 

Inaugurazione: venerdì 17 dicembre
ore 18.30

 

IMPACT  HUB
via Palermo, 41 | Roma

 

17 DICEMBRE | 14
GENNAIO

 

lun – ven 15.00 | 19

sab – dom  11 | 17

 

Info e contatti

 

impactart@hubroma.net

orianapicciolini@gmail.com

 

https://rome.impacthub.net

 

Entrata libera

 

Green Pass
obbligatorio